Illustrer un roman ne consiste pas simplement à ajouter quelques dessins entre les pages d’une histoire. L’image peut prolonger le récit, donner un visage à un personnage, révéler un lieu ou fixer visuellement un instant que les mots ont d’abord laissé naître dans l’imagination du lecteur.
L’écriture et le dessin ont longtemps avancé ensemble dans mon travail. Lorsque j’écris, je vois très vite apparaître des lieux, des atmosphères et des personnages. Certaines scènes deviennent si précises mentalement qu’elles finissent naturellement par appeler une illustration. Illustrer un roman devient alors une autre manière de poursuivre le récit, cette fois avec des lignes, des formes et des couleurs.
Le mouvement peut aussi s’inverser. Un paysage, une architecture, une photographie prise au cours d’une promenade ou quelques traits posés sur le papier peuvent faire surgir une scène et parfois même donner naissance à une histoire. C’est cette relation entre écriture et illustration qui m’intéresse : deux langages différents, capables de raconter ensemble sans nécessairement dire exactement la même chose.
Illustrer un roman : donner une autre dimension au récit
Une illustration réussie n’a pas besoin de reproduire littéralement ce que le texte vient d’expliquer. Si le lecteur sait déjà précisément ce qui se passe dans une scène, lui montrer exactement la même chose apporte finalement assez peu. Illustrer un roman devient plus intéressant lorsque l’image prolonge le récit. Elle peut montrer un détail à peine évoqué, installer l’atmosphère d’un lieu, donner une présence particulière à un personnage ou arrêter le temps sur un instant précis.
C’est ainsi que j’aborde les illustrations liées à mes romans. Je cherche d’abord le moment du chapitre qui possède une véritable force visuelle. Ce n’est pas nécessairement l’événement le plus spectaculaire. Un décor, une attitude, une lumière ou un détail architectural peuvent parfois raconter davantage.
Il faut aussi accepter de laisser une place à l’imagination du lecteur. Lire un roman, c’est construire mentalement son propre univers à partir des mots de l’auteur. Lorsqu’on choisit d’illustrer un roman, l’image doit accompagner cette expérience sans tout imposer. Cette recherche d’équilibre est probablement ce qui me plaît le plus : trouver ce que le dessin peut ajouter au texte sans lui retirer son pouvoir d’évocation.
Comment choisir une scène à illustrer dans un roman ?
Tous les passages d’un roman ne demandent pas à devenir des images. Illustrer un roman suppose donc de faire des choix. Lorsque je réfléchis à une illustration, je cherche avant tout une scène qui possède une identité visuelle forte et qui représente quelque chose d’important dans le chapitre.
Cela peut être un lieu dans lequel le personnage arrive pour la première fois, une architecture particulière, un moment de solitude, une rencontre ou simplement une ambiance que j’ai envie de prolonger graphiquement. Le dessin n’est alors pas une décoration ajoutée au texte : il possède une véritable fonction dans l’univers du livre.
Je commence ensuite par rassembler les éléments dont j’ai besoin. Lorsque l’histoire se déroule dans un environnement ou une époque précise, les recherches documentaires et visuelles deviennent essentielles : architecture, vêtements, paysages, objets, végétation ou détails historiques doivent rester crédibles, même lorsque l’imaginaire prend ensuite le relais. Cette étape de documentation est particulièrement importante pour illustrer un roman dont l’histoire s’inscrit dans un contexte identifiable.
Viennent les premiers croquis. Ils ne cherchent pas encore à produire une œuvre terminée. Ils permettent de tester une composition, de déplacer un personnage, de modifier un cadrage ou de comprendre quels éléments sont réellement nécessaires.
À ce stade, le dessin commence parfois à modifier ma perception de la scène elle-même. Un détail auquel je n’avais pas pensé apparaît sur le papier et peut, à son tour, faire évoluer l’écriture. C’est précisément là que le dialogue entre les deux pratiques devient intéressant : le texte nourrit l’image, puis l’image revient parfois nourrir le texte.
Quand l’écriture et le dessin avancent ensemble
Dans mon travail, l’écriture et le dessin ne suivent pas toujours un ordre établi. Je peux commencer par écrire une scène et avoir immédiatement envie de la dessiner, mais l’inverse se produit également. Une architecture aperçue au cours d’un voyage, une photographie, une ambiance ou simplement une composition imaginée sur le papier peuvent faire apparaître un lieu, puis un personnage et finalement une histoire.
C’est aussi ce qui rend passionnant le fait d’illustrer un roman : l’image n’intervient pas obligatoirement lorsque l’écriture est terminée. Les deux pratiques peuvent se nourrir l’une de l’autre au fil de la création.
Cette manière de travailler laisse une grande place à l’imprévu. Lorsque j’écris, je ne cherche pas nécessairement à déterminer à l’avance toutes les images qui accompagneront le récit. Certaines s’imposent progressivement parce qu’un passage possède une atmosphère particulière ou parce qu’un décor devient suffisamment important pour mériter d’exister autrement que par les mots.
À l’inverse, lorsque je dessine, il m’arrive d’imaginer ce qui pourrait se passer dans les maisons, les rues ou les paysages qui apparaissent sous mon crayon. Le dessin devient alors lui-même une forme de narration. Illustrer un roman peut ainsi conduire à regarder autrement une scène que l’on pensait pourtant avoir entièrement construite avec les mots.
Cette relation existe encore aujourd’hui dans mon travail d’illustratrice, même lorsque mes dessins ne sont plus directement associés à un livre. Mes villes et villages imaginaires sont peuplés de bâtiments, de passages, d’escaliers et de lieux dont je ne raconte volontairement pas toute l’histoire. Ils sont conçus comme des territoires dans lesquels chacun peut projeter son propre récit. Finalement, que je parte des mots ou du dessin, je retrouve la même envie : construire un univers et laisser l’imaginaire poursuivre le chemin.
Trois romans, trois expériences de l’illustration
Mes différents projets m’ont permis d’expérimenter plusieurs manières d’illustrer un roman et de faire dialoguer l’écriture avec l’image. Ils n’en sont pas tous au même stade aujourd’hui, mais chacun a contribué à construire ma façon de travailler entre narration et illustration.
Aliosha : accompagner une histoire publiée
Avec les trois tomes du Voyage d’Aliosha, publiés précédemment, l’illustration faisait partie de l’univers que je construisais autour du récit. Les images étaient choisies pour accompagner certains moments, lieux ou atmosphères sans chercher à représenter systématiquement tout ce que racontait le texte.
Cette expérience m’a appris qu’illustrer un roman ne signifie pas transformer chaque scène en image. Une illustration peut fixer une ambiance, donner corps à un décor ou attirer l’attention sur un détail tout en laissant au lecteur suffisamment d’espace pour construire ses propres représentations.
Niels : une illustration pour chaque chapitre
Pour Le Voyage de Niels, le principe graphique est différent. Le roman est écrit et j’ai réalisé une illustration pour chaque tête de chapitre. Chaque image est donc directement associée à une partie du récit et participe à la continuité visuelle du livre.
Cette façon d’illustrer un roman demande de penser non seulement à chaque dessin séparément, mais également à la cohérence de l’ensemble. Les illustrations doivent pouvoir posséder leur propre personnalité tout en appartenant visuellement au même univers.
Le projet doit encore être repris avant que je décide de la forme définitive que je souhaite lui donner. Les illustrations existent mais ne sont pas encore numérisées pour être présentées sur le site. Cette expérience reste néanmoins particulièrement intéressante dans mon parcours, car elle m’a amenée à réfléchir à la cohérence graphique de l’ensemble d’un roman, et pas seulement à la création d’images indépendantes.
Sixtine : du paysage réel à l’univers imaginaire
Le Voyage de Sixtine est actuellement en cours de création, aussi bien pour l’écriture que pour les illustrations. Son origine illustre une autre facette de mon processus créatif : la manière dont un lieu réel peut progressivement devenir une histoire.
L’idée est née notamment au Bourdigou, un cours d’eau côtier qui rejoint la Méditerranée près de Sainte-Marie-la-Mer, dans les Pyrénées-Orientales. À partir de ce paysage, j’ai imaginé une île, puis un personnage et les premières bases d’un nouvel univers.
Ici, illustrer un roman commence donc bien avant de savoir précisément quelles images accompagneront un jour le texte. Le projet évolue encore et je ne sais pas aujourd’hui quelle sera sa forme définitive. Mais son point de départ résume bien une mécanique que je retrouve souvent dans mon travail : observer le réel, en retenir quelques éléments puis laisser l’imaginaire les transformer.
Comment passer d’une scène écrite à une illustration ?
Lorsque je veux illustrer un roman, je ne commence pas immédiatement par le dessin définitif. La première étape consiste à identifier ce qui mérite réellement d’être montré. Est-ce le lieu ? Le personnage ? Une atmosphère ? Un détail architectural ? Une lumière particulière ? Ce choix détermine toute la composition.
Lorsque le récit s’appuie sur un lieu, une époque ou une architecture identifiable, je passe ensuite par une phase de documentation. Pour un univers historique ou géographique, les collections numérisées de Gallica, la bibliothèque numérique de la BnF constituent notamment une précieuse source de documentation iconographique. Photographies, bâtiments, paysages, objets ou vêtements peuvent servir de références.
L’objectif n’est pas nécessairement de reproduire fidèlement ces éléments, mais de disposer d’une base suffisamment crédible avant de commencer à les interpréter. Illustrer un roman laisse une grande place à l’imaginaire, mais celui-ci peut parfaitement prendre appui sur une documentation réelle.
Viennent ensuite les premiers croquis. Je cherche le cadrage, la place des différents éléments et l’équilibre général de l’image. Certains détails disparaissent, d’autres prennent davantage d’importance. C’est aussi à cette étape qu’une idée nouvelle peut apparaître et parfois revenir enrichir le texte.
Le choix de la technique intervient en fonction de l’atmosphère recherchée. Il n’existe évidemment pas une seule manière d’illustrer un roman. Le noir et blanc peut renforcer le trait et laisser davantage de place à l’imagination, tandis que la couleur permet d’installer immédiatement une ambiance. Feutres, encre, crayons ou autres médiums donnent également une personnalité différente à l’image. L’essentiel reste de conserver une cohérence visuelle entre les illustrations d’un même projet.
Faut-il tout montrer lorsqu’on illustre un roman ?
Illustrer un roman ne signifie justement pas tout montrer. L’une des difficultés consiste à ne pas prendre toute la place laissée jusque-là à l’imagination du lecteur. Un texte permet à chacun de construire mentalement un personnage, une maison ou un paysage. Dès qu’une illustration les représente précisément, elle propose nécessairement une interprétation.
C’est pourquoi je préfère sélectionner ce qui apporte réellement quelque chose au récit. Une image peut suggérer plutôt qu’expliquer, montrer seulement une partie d’un décor ou privilégier une atmosphère plutôt qu’une scène entière. Elle n’a pas besoin de traduire chaque phrase en dessin.
Pour moi, illustrer un roman consiste davantage à prolonger le récit qu’à le traduire littéralement. Cette retenue permet au texte et à l’image de conserver chacun leur rôle. L’illustration prolonge alors l’histoire au lieu de simplement la répéter.
Du roman illustré aux villes imaginaires
Aujourd’hui, mes illustrations ne sont plus nécessairement liées à un roman. Pourtant, l’expérience acquise en choisissant d’illustrer un roman reste présente dans mon travail. Lorsque je construis une ville ou un village imaginaire, j’aime créer des architectures et des passages qui donnent l’impression qu’une histoire pourrait s’y dérouler.
Les maisons, les rues, les escaliers ou les bâtiments ne sont pas accompagnés d’un récit qui expliquerait ce qui s’y passe. Cette fois, c’est à celui qui regarde l’œuvre d’imaginer la suite. Le dessin devient en quelque sorte le point de départ d’une histoire qui n’est pas écrite.
Cette manière de concevoir une image doit beaucoup à mon expérience de l’écriture. Illustrer un roman m’a appris à chercher ce qui peut suggérer une histoire sans avoir besoin de tout raconter. Dans mes villes imaginaires, ce principe demeure, mais le texte disparaît et laisse toute la place à celui qui regarde.
C’est probablement le lien le plus évident entre mon travail d’autrice et celui d’illustratrice : les mots comme les images me permettent de construire des lieux qui n’existent pas encore.
Quand les mots et les images racontent ensemble
Illustrer un roman m’a appris que l’écriture et le dessin ne sont pas deux pratiques aussi éloignées qu’elles peuvent le paraître. Toutes deux partent d’une idée, d’une observation ou d’une émotion pour construire progressivement un univers. Parfois les mots arrivent en premier, parfois l’image ouvre le chemin.
Cette façon de créer continue aujourd’hui à nourrir mon travail d’illustratrice. Mes villes et villages imaginaires ne racontent plus une histoire écrite à l’avance, mais ils conservent cette dimension narrative : des architectures, des détails et des lieux dans lesquels chacun peut imaginer ce qui s’est passé ou ce qui pourrait arriver.
Si vous souhaitez suivre mes créations dès leurs premières étapes et découvrir les coulisses de mon travail, vous pouvez également rejoindre Le Cercle Illustré.